GIBSON LES PAUL: História e Evolução

A Gibson Les Paul, sem dúvida a guitarra mais emblemática do fabricante mais tradicional, tanto nas versões Standard como Custom, sua evolução e transformação, seus tempos ou épocas de ouro e preto, e muito mais. 

A história da Gibson Les Paul, aparência, evolução e transformação. 

A história da Gibson Les Paul, a primeira guitarra de corpo sólido da mais tradicional empresa de guitarras, começa no início dos anos 1950, quando a empresa era liderada por ninguém menos que Ted McCarty, em sua época de ouro.

A Gibson Les Paul nasceu como resposta de McCarty à crescente popularidade e sucesso de sua inimiga, a Fender Broadcaster, que mais tarde, após passar por um breve período sem nome ou “Nocaster”, seria definitivamente chamada de Telecaster.

Ted McCarty era um engenheiro com experiência e visão comercial, não hesitou nem por um segundo em perceber que o sólido nicho de negócios de guitarras que a Fender começava a explorar era um mercado com grande potencial. Assim, a Gibson decidiu competir, projetando sua própria guitarra de corpo sólido e contratando a Les Paul para dar seu nome e ser a imagem de seu novo modelo de guitarra elétrica. 

Les Paul já havia tentado persuadir Gibson a fazer uma guitarra de corpo sólido anos antes, antes mesmo de a Fender Esquire aparecer em 1950. Ele havia trazido “O Tronco" - “The Log”, mas a empresa havia rejeitado o músico e sua proposta dizendo que era um cabo de vassoura com cordas e captadores de guitarra. Assim, é que se diz que Les Paul disse aos diretores da Gibson: “- Se vocês não fizerem algo, a Fender dominará o mundo”.

 

Gibson Les Paul Goldtop, a primeira guitarra

 

A primeira versão da Gibson Les Paul: 1952

 

A primeira guitarra Les Paul lançada pela Gibson foi a Gibson Goldtop, que foi lançada em 1952, dois anos após o lançamento da primeira guitarra Fender.

 

As principais características eram as mesmas de hoje, mas não todas. A Gibson Les Paul teve uma evolução ao longo de seus primeiros 7 anos de vida. Corpo e braço em mogno com tampo arqueado em maple no corpo e escala em rosewood. O braço colado tem 22 trastes com encadernação e inlays madrepérola trapézios. Também tinha um tensor ou alma ajustável. 

Os controles são independentes de volume e tom para cada captador e um seletor de três posições. No entanto, a primeira versão tinha algumas características diferentes do modelo final da Gibson Les Paul.

 

 

A Gibson Les Paul '52 original veio com captadores P90, chamados de Soapbar por sua estética de sabonete. Esses captadores são single coil que Gibson já havia inventado em 1946.

O tradicional arremate longo e ponte eram semelhantes aos usados pela marca no resto dos modelos de guitarra, como a guitarra Gibson L5. Les Paul imediatamente sugeriu substituir o tradicional trapézio de Gibson colocando uma barra de aço sólido “enrolado”. Ted McCarty disse que esta foi a única contribuição técnica do guitarrista.

 

As primeiras mudanças na evolução da Gibson Les Paul: 1953 – 1954 

 

Durante 1953, o arremate longo é substituído pela ponte embrulhada que o próprio Ted McCarty projetou. Assim, este ano você poderá encontrar guitarras com ambas as pontes. A estética da guitarra será mantida por alguns anos. 

No ano seguinte, em 1954, chega outra mudança, a inclinação do mastro também é modificada em relação ao primeiro modelo lançado no mercado. Assim, o mastro leva a inclinação de 17º, que será final hoje. Ainda montando captadores Soapbar P-90 (single coil) e continuando com o acabamento Goldtop.

 

As últimas e definitivas alterações da 

Gibson Les Paul: 1955 - 1958 

Em 1954, Ted McCarty inventa a ponte Tune-o-Matic, que é incorporada à nova Gibson Les Paul Custom. Mas é apenas em 1955 que o Tune-o-Matic é adicionado à Gibson Les Paul Goldtop.

Esta ponte vem com selas ajustáveis que permitem uma melhor calibragem da guitarra, melhorando assim a afinação. Inicialmente, o arremate foi pensado para estar acima do arremate como no Wrappover, mas finalmente ele é usado colocando as cordas na parte de trás e fazendo-as ir diretamente para a ponte.

Em 1957, como resultado do objetivo de reduzir o ruído -“hum”- dos captadores, um engenheiro da Gibson, Seth Lover, projetou os captadores de bobina dupla conhecidos como “Humbuckers”. Os primeiros captadores humbucker são conhecidos como PAF ou P.A.F., pois tinham um adesivo com a sigla ” Patent Applied For" – “Patente solicitada para” - devido ao processo de registro de patente da Gibson.

Assim, em 1957 a Les Paul leva as especificações técnicas definitivas que mantém até hoje. No entanto, no ano seguinte, em 1958, o acabamento foi alterado para o cherry sunburst pelo qual o violão é mais conhecido.

 

 

Gibson Les Paul Custom: a versão deluxe 

Em 1954, Ted McCarty procura uma alternativa ao acabamento Goldtop. Nesse sentido, Ted disse em uma entrevista: “Adicionamos a Les Paul Custom apenas para ter outra. Você tem todos os tipos de guitarristas que gostam disso e daquilo. A Chevrolet tem muitos modelos, a Ford tem muitos modelos.”

 

Assim, é lançado este modelo preto, com ferragens douradas e captadores P90 pretos. Além disso, tem uma borda dupla no corpo -em ambos os lados- na parte superior e na parte de trás do corpo e também no pescoço e na caixa de pinos. Além disso, a encadernação ou borda da lâmina e do corpo possui um detalhe de listras pretas e brancas intercaladas. Os embutidos são do tipo bloco, ou seja, embutidos em bloco ou retangulares.

As diferenças técnicas da Les Paul Custom com a Standard ou Goldtop é que ela tem um corpo de mogno de peça única, sem tampo de maple no topo. A escala é de ébano em vez de pau-rosa. Assim, o agudo que é dado em uma Les Paul Standard ou Goldtop pelo tampo em maple do corpo, e em uma Custom por sua escala em ébano. Além disso a Custom foi a primeira Les Paul com ponte Tune-on-Matic. Diferente da Goldtop que só adotou no ano seguinte, 1955.

 

A “beleza negra”

Beleza negra ou “Black Beauty” é o apelido da Gibson Les Paul Custom. A combinação preto e dourado é a combinação ideal para dar status e altura a algo, por isso essa combinação foi escolhida. Além disso, havia uma boa razão para optar por uma cor sólida, conforme explicado por Ted McCarty:

“E havia uma boa razão para isso. Estávamos tendo cada vez mais problemas para obter mogno liso de Honduras muito bem. Então se você tinha um mogno com alguns arranhões, era usado para fazer alfândega. Eles foram preparados elegantemente combinging border e outras coisas, e vendidos a um preço mais alto.”

 Assim, o mogno com imperfeições cosméticas foi usado para a Les Paul Custom que foi pintada com uma cor preta sólida.

 

A Les Paul Custom e os PAFs: 1957

 

Em 1957, como a Gibson Les Paul Goldtop, a Custom adota captadores PAF. Assim, fica definido o modelo final da Les Paul Custom. A menos que consideremos a substituição do ébano por richlite por volta de 2012, que se deu por problemas de fornecimento de madeira de qualidade em quantidade suficiente. Richlite é um material sintético que imita a estética do ébano.

 

Gibson Les Paul Standard: 

1958 - 1960: A transformação definitiva

 

Em 1958 a Gibson Les Paul Standard foi lançada com o clássico e tradicional acabamento cherry sunburst pelo qual o modelo é mais conhecido. Esta é a guitarra Gibson Les Paul, é a maior referência de todas, a expressão máxima da evolução do modelo. Essas guitarras são chamadas de “Burst” por causa de seu acabamento.

As diferenças nas especificações do violão desses três anos são sutis; por exemplo, o perfil do braço é mais espesso em 1958 e mais fino em 1960; em 1958 os topos de maple eram mais lisos e os de '59 os mais flamejados. No entanto, as guitarras Gibson Les Paul 1959 são consideradas o “Santo Graal” do modelo. Assim, o ano de 1959 é considerado o melhor ano da Gibson Les Paul.

 

 

Descontinuação da Gibson Les Paul 

Em 1960, o peso da Gibson Les Paul era excessivo e seu formato tradicional era visto como antiquado e caro. Em comparação com outros mercados existentes, como Stratocaster, Jazzmaster, Flying V, Explorer, entre outros, a Les Paul havia perdido popularidade. Assim, a Les Paul é substituída pela que foi introduzida como sua sucessora, a Gibson SG. 

A SG foi lançada inicialmente com o nome de Gibson Les Paul, e posteriormente com a quebra do contrato com a Les Paul levaria o nome de SG da Solid Guitar. Seria apenas em 1968 que a construção da Gibson Les Paul seria retomada. 

Vídeo de demonstração de várias Les Pauls vintage em um Fender Bassman 1959

 

A evolução da NOTAÇÃO MUSICAL

Uma viagem no tempo através de vinte e cinco séculos de escrita musical

A notação musical ocidental, tal como a percebemos hoje, com suas figuras rítmicas e indicações de expressão escritas em um pentagrama, é o resultado de milênios de especulações, tentativas e erros, usos e costumes e reflexão de teóricos e compositores sobre essa difícil questão: “como registrar através da escrita os sons musicais?”

Os registros mais antigos remontam à Grécia e são a base desse desenvolvimento que iria culminar na partitura moderna, estabelecida na escrita musical do século XIX.

O fato da música ocidental ser registrada graficamente permitiu o desenvolvimento da polifonia, de modo que os compositores pudessem se debruçar sobre o legado dos mestres antigos para estudar a fundo suas práticas composicionais.

As formas de notação musical ou, mais precisamente, “sinalização musical” mais antigas são as técnicas quironômicas, que eram sinais manuais indicados por um dos músicos e que descreviam as curvas melódicas e ornamentos, uma técnica que se desenvolveu nas tradições que não tinham notação musical escrita como, por exemplo, o Egito faraônico, a música indiana (cantos védicos), a música judaica e os cantos bizantinos e romanos. Cabe ressaltar que tais sistemas eram formas de sinalização, não eram escritos.

A grafia musical, de fato, teve seu primórdio na notação alfabética grega, já existente desde 500 a.C. Os chineses tinham um sistema por volta do séc. III a.C., mas foi na notação grega que a escrita musical ocidental começou a se desenvolver.

Para tanto, analisaremos alguns dos exemplos de registros de escrita musical mais antigos da Humanidade:

Coro Stasimon de Orestes

Este é simplesmente o registro de escrita musical mais antigo da Humanidade. Um documento de praticamente 2500 anos que sobreviveu ao tempo.

Este texto grego em papiro, escrito por volta de 200 a.C. em Hermópolis, Egito, tem sete linhas de escrita contendo partes dos versos 338–344 do primeiro refrão da tragédia “Orestes”, composta em 408 a.C. por Eurípides (480 a.C. — 406 a.C.).

A peça conta a história de Orestes, que assassina sua mãe Clitemnestra para vingar a morte de seu pai, Agamenon, e é perseguido pelas Fúrias por causa deste ato.

Além da passagem de um canto coral (“stasimon”, ou seja, uma ode cantada com o coro imóvel posicionado na zona semicircular entre o palco e a bancada dos espectadores chamada “orquestra”), o fragmento contém símbolos vocais e instrumentais escritos acima das linhas das letras da música.

Embora muita coisa sobre a música dos antigos gregos permaneça desconhecida, a partir do estudo desta notação os pesquisadores puderam reconstruir como o refrão poderia ter sido tocado e cantado. O papiro, que foi recuperado da cartonagem de uma múmia no fim do século XIX, pertence à coleção de papiros da Biblioteca Nacional Austríaca.

A letra diz:

“Ó deusas iradas que fendeis os céus
buscando vingança pelo crime,
imploramo-vos que livreis o filho de Agamémnon da sua fúria cega […] Choramos por este mancebo. A ventura é fugaz entre os mortais.
Sobre ele se abatem o luto e a angústia,
qual súbito golpe de vento sobre uma chalupa,
e ele naufraga nos mares revoltos.”

Epitáfio de Seikilos

 

É mais recente que o Coro de Orestes, porém é o mais antigo registro completo de música escrita. O texto e a música estão inscritos numa estela ou pedra funerária (v. foto) encontrada em Aidine, na Turquia, próximo de Trales, e datam, aproximadamente, do século I d. C.

A canção de Seikilos teve especial interesse para os historiadores devido à clareza da sua notação rítmica.

As notas sem sinais rítmicos por cima das letras do alfabeto equivalem a uma unidade de duração (chronos protos); o traço horizontal indica um diseme, equivalente a dois tempos, e o sinal horizontal com um prolongamento vertical do lado direito é um triseme, equivalente a três tempos. Cada verso tem doze tempos.

Hoson zés, pháinou
Medén hólos sý lýpou
Pros olígon estí to zén
To télos ho khrónos apaitéi

(Enquanto viveres, brilha
E de todo não te aflijas
A vida é curta
E o tempo cobra suas dívidas)

 

Hinos Délficos

 

São fragmentos de dois hinos a Apolo escritos em 138a.C. e 128 a.C. em ocasião do Festival Pítico, que era realizado uma vez a cada dez anos, e são os mais antigos vestígios de música escrita do mundo ocidental cujo compositor é conhecido pelo nome. Foram encontrados em 1893, ambos inscritos em fragmentos de pedra (v. foto) ao sul da parede externa do tesouro ateniense em Delfos.

Por muito tempo acreditou-se que o compositor do primeiro hino era um ateniense, uma vez que o título da inscrição indicando o nome do compositor está danificado e difícil de ler. No entanto, a leitura atenta dessa inscrição mostra que ela não se refere ao gentílico “Athenaîos” (de Atenas), mas sim a um nome próprio: “Athénaios Athenaíou” (Athenios filho de Athenios).

O nome do compositor do segundo hino délfico também sobreviveu: Limenios, filho de Thoinos, um ateniense.

Escrita neumática

Sob grande influência do sistema grego, o sistema ecfonético, com raiz no aramaico, era usado para notar as inflexões quase-melódicas das recitações dos antigos cantos litúrgicos medievais sob os textos bíblicos hebraicos no séc. VI d.C., na música das igrejas síria, armênia e outras no Oriente, assim como na sinagoga (onde o atual sistema de notação dele deriva).

Registros antigos de escrita neumática datam do séc. IX, na abadia de St. Gall, na atual Suíça. Dois séculos depois, os neumas eram usados na Igreja Oriental.

No Ocidente, Guido D’Arezzo (992–1050) propôs uma série de sílabas (ut, re, mi, fa, sol, la) para ajudar os cantores a memorizarem a seqüência de tons e meios-tons das escalas. Tais sílabas derivam do Hino a São João “Ut queant laxis”, no qual a nota inicial de cada frase corresponde às silabas do texto.

O monge italiano também já desenvolvia um sistema de notação que considerava a pauta de quatro linha então usada, associando-a, através de letras, às notas fá, dó e, por vezes, sol (F, C e G), letras que acabaram dando origem às modernas claves.

Uma característica importante da escrita guidoniana é o uso de linhas coloridas para assinalar a altura dos sons (amarela para Dó, vermelha para Fá) e que facilitava a leitura à primeira vista. Como as partituras eram copiadas à mão, as partituras coloridas eram comuns na Idade Média. Infelizmente, o uso de cores caiu em desuso, talvez pela impossibilidade de se usar cores na prensa de tipos móveis mais antiga, inventada por Johannes Guttemberg por volta de 1450.

Durante o séc. XV, o sistema de notação com notas pretas gradualmente cedeu lugar a um sistema em que eram usadas notas brancas, basicamente como hoje, com a notação rítmica mensural, que determinava uma divisão binária ou ternária entre os sucessivos valores das notas.

“Qui habitat in adjutorio altissimi”, cânone a 24 vozes (!!!) de Josquin Desprez (c.1450–1521) em notação mensural branca, já incorporados o pentagrama de cinco linhas e a clave de dó na primeira linha.

Escrita moderna

A escrita de Johann Sebastian Bach (1685–1750) já é praticamente a mesma da modernidade, entretanto não há indicações de dinâmica (forte, piano, etc.).

Manuscrito da Invenção 1 - BWV 772, de J.S. Bach

Apesar dos sinais de dinâmica já serem utilizados desde o séc. XVI, é a partir de Hadyn, Mozart e Beethoven que eles vão sendo incorporados à escrita de maneira mais sistemática, até que a dialética entre a determinação dos parâmetros musicais e a inteligibilidade das partituras atinge seu ponto de equilíbrio, já no Romantismo.

No séc. XX, com o serialismo integral, em que eram atribuídas a cada nota uma dinâmica e um modo de ataque diferentes, a escrita musical chegou num ponto em que essa hiper-determinação dos parâmetros sonoros, de fato, surtiu efeito contrário: buscando determinar cada aspecto da obra, as partituras tornaram-se “sujas”, difíceis de ler e impossíveis de serem interpretadas com exatidão.

Trecho de “Kontrapunkte”, de Karlheinz Stockhausen (1928–2007)

Com as novas técnicas composicionais propostas, particularmente as especulações relacionadas à música eletrônica, houve a necessidade de se formular outras maneiras de escrita musical, incorporando grafismos e símbolos não utilizados até então na escrita tonal.

Excerto da partitura de “Metastasis”, obra orquestral do compositor grego Iannis Xenakis (1922–2001)

A notação moderna é o resultado de séculos de desenvolvimento e especulações acerca dessa grande questão: “como escrever sons musicais abstratos?” Parece simples, vendo a partir dos dias atuais, mas tal questão levou séculos para ser aperfeiçoada. Ora, a fala contém fonemas que unem-se para formar as palavras que, por sua vez, formam sentenças que têm um significado concreto. Criar uma maneira de escrever sons abstratos, com suas minúcias de entonação melódica e rítmica, não foi nada fácil.

Há uma relação histórica entre o desenvolvimento da escrita musical no Ocidente e as técnicas composicionais utilizadas pelos compositores, a fabricação dos instrumentos, o tamanho do grupo orquestral, o desenvolvimento do contraponto e da harmonia, além da óbvia possibilidade de preservação das obras. Foi um processo histórico que durou séculos, ao qual gerações de compositores, instrumentistas e teóricos de diversas épocas e lugares contribuíram individualmente ao longo do tempo. Tal processo foi um fenômeno ímpar na História.

O sistema de notação musical ocidental é um dos grandes legados civilizacionais da Humanidade.

Fonte: Maestro Tom Martins